Música vocal e instrumental del s. XVI

La música europea del s.XVI


Martes, diciembre 28th, 2010

MÚSICA PROFANA: FRANCIA
[kml_flashembed movie="http://www.goear.com/files/external.swf?file=38d3c1d" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132">" width="353" height="123" wmode="transparent" /]

La canción francesa tiene su raíz en la canicón trovadoresca (virelai, carole). Menosprecia los artificios contrapuntísticos en areas de simplicidad, la espontaneidad y la delicadeza de matices. Utiliza con frecuencia el silabismo y la precisión rítmica francesa. Es de carácter descriptivo. Imita desde el canto de los pájaros hasta los más variados efectos naturales y ruidos de una marcha, una escena de caza o una batalla.

Clemente Jannequin (1485-1558) es probablemente el más celebre compositor de este género. Es autor de 400 canciones con títulos tan sugestivos como “Las charlatanas” o “Los gritos de París”; además de ellas, destaca “La batalla de Marignan”, con texto onomatopéyico, imita los tambores, las descargas y el fragor de la batalla.

Martes, diciembre 28th, 2010

MÚSICA PROFANA: INGLATERRA
[kml_flashembed movie="http://www.goear.com/files/external.swf?file=bcc80d5" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132">" width="353" height="123" wmode="transparent" /]

En Inglaterra, el mafrigal alcanzó su máxima popularidad un poco más tarde que en Italia. La vida del madrigal inglés fue corta, pero intensa; fueron cincuenta años en los que se editaron decenas de libros con estas composiciones.

Sus principales características son las siguientes:

– Se considera música de cámara o de solistas (de 4 a 6).

– Presenta un carácter rítmico y una textura vertical, es decir, homofónica.

– Escasean las disonancias y los cromatismos.

– Es menos artificioso y complejo que el italiano, y su texto también es más sencillo y menos refinado.

Los madrigalistas ingleses más importantes son Byrd, Gibbons y Dowland, pero sobresale especialmente Thomas Morley (1557-1603), amigo de Shakespeare, cuyas canciones musicó.

Otras formas utilizadas, pero de menor importancia, fueron la balada, la conzoneta y el aire.

[kml_flashembed movie="http://www.youtube.com/v/WX2f_n2f_mc" width="425" height="350" wmode="transparent" /]

Martes, diciembre 28th, 2010

MÚSICA PROFANA: ITALIA
[kml_flashembed movie="http://www.goear.com/files/external.swf?file=577f6ff" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132">" width="353" height="123" wmode="transparent" /]

Entre finales del s.XV  y principios del XVI se desarrolló en Italia un estilo de canciones polifónicas sencillas y de carácter silábico como reacción al complicado estilo de los flamencos. Entre ellas, frottola, villanesca o villanela y el madrigal.

La frottola se cantaba corrientemente a 4 voces en estilo vertical, es decir, con coincidencia de letras y acordes y, por tanto, silábica y con la melodía en la voz de soprano. Se cantaba con frecuencia en fiestas sociales, y generalmente trataba asuntos eróticos o satíricos.

La villanesca o villanela es de forma similar, aunque con texto más refinado.

En la evolución del madrigal italiano pueden distinguirse tres periodos:

Primer periodo (1525-1560). El madrigal es similar a la frottola: de estilo vertical, homofónico, a 3 ó 4 partes, pero es la voz superior la que lleva la melodía. Poéticamente, es muy libre, sin estribillo y sobre textos de poetas célebres (Petrarca Boccaccio). Sus principales representantes son Arcadelt, Willaert y Festa.

Segundo periodo (1560-1590). Corresponde al denomidado madrigal clásico. De estilo más hortizontal y polifónico, resulta ya usual la disposición de cinco voces, iguales en importancia. La gran preocupación de los compositores es traducir musicalmente con la mayor exactitud el carácater general de la poesía; para ello, se incrementa el uso del “madrigalismo”. Los madrigalistas más relevantes de este periodo son Orlando di Lasso, Palestrina, Andrés Gabrieli, Cipriano de Rore y Felipe de Monte.

Tercer periodo (1590-1640). Supone una transición del estilo polifónico al homofónico, pero con un carácter más dramático y virtuosístico conseguido por la intervención de solistas. Es el madrigal dialogado o dramático. Los músicos se dieron cuenta de la dificultad de traducir los sentimientos individuales a través de un conjunto de voces o coro polifónico. Se requería, pues, que fuera una sola voz la que los expresara. Por ello, en el tránsito del s.XVI al XVII las diferentes voces del conjunto vocal, a excepción de la principal, fueron sustituídas por instrumentos. Esto dio lugar al “solo acompañado”, cuyo principal cultivador fue Monteverdi (1567-1643).

Martes, diciembre 28th, 2010

LA MÚSICA PROFANA

Algunas de sus diferencias con respecto de la música religiosa son las siguientes:

– Se partió de textos en lengua vulgar y no en latín.

– Se dio una gran tendencia hacia los modos mayor y menor actuales, con sabor menos modal.

– Los temas eran con mayor frecuencia originales y no tomados de los ya existentes, como solía hacerse en la composición religiosa.

– No estaba destinada generalmente al coro, sino a voces solistas acompañadas con frecuencia de algún instrumento.

– Las formas variaban según las naciones (villotas, canzonetas, frottolas), pero confluyeron en la segunda mitad del siglo, más o menos directamente, en la canción y en el madrigal.

– Se fijó la disposición de las voces del coro (que ha perdurado hasta la actualidad):

  • Soprano, que se conocía como superius o supremus; en España, con frecuencia se llama triple, puesto que, en una terna de voces, ésta es la “triple” o superior.
  • Contralto, que solía denominarse alto.
  • Tenor, la voz aguda del varón adulto. El nombre procede de que, en la Antigüedad, esta voz era la que presentaba el tema gregoriano en notas muy largas, “tenidas”. Fue la voz melódica más grave durante cierto tiempo, hasta que se añadió otra inferior, el bajo.
  • Bajo, la voz más profunda del conjunto.

[kml_flashembed

Martes, diciembre 28th, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: ESCUELA ESPAÑOLA

El siglo XVI es también El Siglo de Oro de la música española. Son muy pocas las composiones polifónicas que se imprimieron en España durante dicho siglo. Muchas piezas polifónicas de la época se han perdido o están aún por descubrir.

Los rasgos que distinguen a esta escuela son la profundidad y el misticismo o expresionismo dramático. Los tres grandes músicos del siglo son Cristóbal de Morales (1500-1553), Francisco Guerrero (1528-1599) y Tomás Luis de Victoria (1548-1611).

Las obras en las que más destaca Tomás Luis de Victoria son:

“El oficio de Semana Santa”

– “La misa del difunto”

Francisco Guerrero nació y murió en Sevilla (1528-1599). Fue discípulo de su hermano Pedro Guerrero y de Cristóbal de Morales. En 1546, fue nombrado maestro de capilla de la catedral de Jaén y más tarde, en 1554 y 1555, ejerció el mismo cargo en Málaga y Sevilla, respectivamente. Su obra se caracteriza por una gran perfección técnica. Algunos títulos importantes de su producción musical, además de sus misas y motetes, son “Sacrae cantiones” (1555), “Magnificat” (1563) y “Canciones y villanescas espituales” (1589). En 1588, Guerrero realizó un viaje a Tierra Santa, cuyos recuerdos reflejó “El viaje de Jersusalén” (1590).

[kml_flashembed movie="http://www.youtube.com/v/axRFVZBlAMQ" width="425" height="350" wmode="transparent" /]

Lunes, diciembre 27th, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: ESCUELA FLAMENCA

La escuela flamenca continuó en el siglo XVI con el mismo esplendor con el que brilló durante el s.XV. Durante la primera mitad de siglo, fue Josquin des Près quien iclipsó a casi todos sus coetáneos; en la segunda mitad, Orlando di Lasso (1532-1594) representó la madurez de la escuela flamenca. Lasso viajó por casi todos los países de Europa y, gracias a su carácter inquieto y cosmopolita, supo sitetizar el estilo de la escuela flamenca con el de la escuela polifónica italiana.

Entre las aproximadamente 2.000 obras que compuso, ocupa un lugar importante la producción religiosa, que consta de unas 52 misas, 780 motetes y 429 canciones religiosas en latín y alemán.

[kml_flashembed movie="http://www.youtube.com/v/DqIX29paH7M" width="425" height="350" wmode="transparent" /]

Lunes, diciembre 27th, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: ESCUELA VENECIANA

[kml_flashembed movie="http://www.goear.com/files/external.swf?file=a4bc77f" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132">" width="353" height="123" wmode="transparent" /]
La escuela romana significó la perfección de las formas anteriores, más que una innovación propiamente dicha; la escuela veneciana, por el contrario, presenta dos características singulares:
– Combinó dobles o triples coros: policoralidad

– Aunmentó considerablemente el número de voces y utilizó, en ocasiones, instrumentos para reforzar el colorido musical.

Representantes de esta escuela fueron su promotor, Willaert y algunos de sus sucesores, el flamenco Cipriano de Rore y el italiano Zarlino, célebre teórico que destaca por sus estudios acústicos sobre intervalos de las escalas. Pero fueron los Gabrieli, Andrés (1520?-1586) y su sobrino Juan (1557-1612), quienes llevaron la escuela veneciana a su apogeo y máximo colorido tímbrico. Cabe resaltar que Juan Gabrieli inició el empleo de instrumentos en los conjuntos vocales.

Una de las obras de Gabrieli fue: “Sonata piam e forte”. Es la primera sonata que introduce aperoximadamente el concepto de dinámica.

Se dice así porque depende de que interviniera una “orquestra” o dos o una parte de la orquestra.

Martes, diciembre 21st, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: ESCUELA ROMANA

Sus principales características:

– Austeridad

– La sobriedad

– La claridad

– El equilibrio

– Prescinde de todo lo superfluo y sigue cerca las huellas del canto gregoriano.

Autores:

Constanzo Festa (h. 1545)

Jacob Arcadelt (h. 1568)

Ingegneri (h. 1614)

Luca Marenzio (h. 1599)

Palestrina: es la figura más importante.

Su arte resume todo el siglo que le precede, y engloba todas las técnicas de la escritura polifónica. Sus misas son lo más significativo de su obra, donde más claramente se revela el contrapunto que lo caracteriza. Las misas de Palestrina están regidas por una actitud conservadora; casi la mitad de ellas recurre a la técnica del cantus firmus, expresión de origen latino que designa las melodías litúrgicas gregorianas; a partir del s.XIII, se utilizó como sinónimo de vox principalis, voz principal, que es la que corresponde a la del tenor y que se extrae del repertorio gregoriano o profano como base para generar una composición contrapuntística. Dicho repertorio fue parcialmente abandonado en provecho de la misa-parodia. Ésta tiene como base una obra polifónica, canción o motete, que el compositor extrae de su propio repertorio o del de sus contemporáneos o predecesores y que reestructura o recrea al servicio de una nueva polifonía.

Músico de la basílica de san Pedro de Roma, respetado por los más importantes príncipes de la Iglesia, Palestrina ilustró con su arte las nuevas exigencias del concilio de Trento, que censuró la complejidad de la escritura musical porque perjudicaba la inteligibilidad del texto. Sin renunciar al juego del contrapunto, Palestrina resolvió este problema concibiendo la música de las diferentes partes de la misa en función del texto:

–  En el Kyrie, siguió utilizando la imitación en las distintas voces.

– En el gloria, recurrió a la homofonía, que aprota sensación de alegría.

– Al credo, le confirió un aspecto austero debido a su silabismo declamatorio.

– En el benedictus, empleó solamente voces agudas.

En cuanto a la armonía de las obras de Palestrina, cabe destacar los siguientes aspectos:

– Predomina la tríada perfecta con la fundamental en el bajo, aunque también utiliza acordes de sexta.

– Evita por todos medios el cromatismo, si bien emplea prudentemente las disonancias preparadas y las resuelve por grados descendentes.

– Utiliza las tríadas, también sobre los grados II, III, VI, lo cual confiere a sus obras cierta modalidad eclesiástica, aunque hay cadencias en grados fundamentales en pasajes de importancia estructural.

– En las cadencias, el bajo suele moverse de la dominante a la tónica por cuartas o quintas.

[kml_flashembed movie="http://www.youtube.com/v/BXQuOQccCWA" width="425" height="350" wmode="transparent" /]

Martes, diciembre 21st, 2010

FORMAS RELIGIOSAS: EL CORAL LUTERANO Y EL HIMNO ANGLICANO

En el s.XVI nacieron, al resguardo de la reforma protestante, el coral luterano y el himno anglicano.

El himno anglicano:

La ruptura de Enrique VII con la Iglesia de Roma en la primera mitad del s.XVI y la posterior creación de la Iglesia anglicana provocaron un empobrecimiento de la música religiosa en Inglaterra. La nueva Iglesia eligió como canto para sus servicios litúrgicos el anthem, especie de himno o antifonía en lengua inglesa, a cuatro voces y de estilo muy parecido al motete. Entre sus compositores destacaron Thomas Tallis (hacia 1505-1585) y, sobre todo, su discípulo William Byrd (1543-1623), conocido como “El Palestrina inglés”, cuyas obras tienen como principal caractarística su riqueza armónica.

El himno anglicano es una composición para coro, con acompañamiento de voces solistas (y más tarde de instrumentos) o sin él, que solía interpretarse en el transcurso del oficio rerligioso de la Iglesia anglicana, sin que formase necesariamente parte sustancial de la liturgia.

El coral luterano:

Es un canto sagrado de las iglesias protestantes alemanas, destinado en un principio a ser cantado por los fieles en las ceremonias religiosas. Lutero, reformador protestante, contribuyó en gran medida a su desarrollo. La armonización del coral luterano fue evolucionando hasta alcanzar su más alto nivel con Johann Sebastian Bach.

Martin lutero (1483-1546), el fraile agustino que llevó a cabo la Reforma protestante en Alemania, desde un principio fue consciente del gran papel didáctico de la música en la religión. Por ello mantuvo algunos elementos de la música católica para el culto reformista, pero buscó melodías de carácter popular de fácil interpretación, a las que puso letra de textos didáctico-morales en lengua alemana que sustituyeron al gregoriano. Al prinicpio, estas canciones fueron ejecutadas por el pueblo a una sola voz y se acompañaron con el órgano. Luego se armonizaron a cuatro voces y fueron interpretadas por un coro, con lo que se llegó al célebre coral. 

Además de Lutero, compusieron corales Johannes Eccard (1553-1611) y Leo Hassler (1564-1612).

Martes, diciembre 21st, 2010

FORMAS RELIGIOSAS: MOTETE

[kml_flashembed movie="http://www.youtube.com/v/2R-T_-71xik" width="425" height="350" wmode="transparent" /]

El motete surge al principio del s.XIII, al superponer al tema gregoriano otros textos religiosos y profanos.

En el s.XV, desaparecida esa multiplicidad de textos, el motete recobra su puesto religioso primitivo. Tictoris definió el motete, ya depurado de los aditamentos del siglo precedente, como un canto polifónico de regular extensión, con texto (normalmente latino) sobre cualquier materia, aunque generalmente religiosa.

Destaca especialmente el motete cultivado por el compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) en el s.XVI. El motete que ya no parecía obligado a basarse en temas preexistentes, adoptó la forma de un conjunto de episodios, cada uno con su respectivo tema musical, que, saltando imitativamente de unas voces a otras, seguía las frases del texto. Al principio, las voces solían comenzar en no pocos casos escalonadamente, y se alternaban luego fragmentos en estilo imitativo y fugado con otros de corte vertical, hasta llegar a un final amplio y conclusivo, generalmente de tipo vertical o armónico.

Se cantaba, sobre todo, durante las celebraciones litúrgicas de Adviento, Cuaresma y Semana Santa.