Música vocal e instrumental del s. XVI

La música europea del s.XVI


Lunes, enero 3rd, 2011

LOS CONJUNTOS DE INSTRUMENTOS

En el s.XVI, toda la música vocal podía ser interpretada con instrumentos, pero también abundaban las recopilaciones de polifonía sin texto, seguramente destinadas específicamente a la práctica instrumental.

Los instrumentos se aso ciaban libremente, pero se tendió progresivamente a hacerlo por familias. A partir de 1550 y especialmente a finales de siglo, aparecieron obras de música de cámara para instrumentos específicos (Tallis, Byrd). No obstante, salvo precisiones concretas, lo normal era utilizar flautas, violines o violas de brazo en los agudos; laúdes, arpas, cistros o mandorlas en los intermedios, y órganos, bajos y contrabajos de viola en los bajos.

Desde la época de las cruzadas, pareció establecerse una distinción entre los instrumentos que se tocaban en el exterior, en acontecimientos públicos como torneos o combates (los llamados altos instrumentos) y aquellos cuyo sonido estaba destinado a espacios interiores (los bajos instrumentos). Esta separación funcional se mantuvo viva en las costumbres europeas del s.XVI), materializada en la oposición entre conjuntos al aire libre y conjuntos de cámara.

Desde la primera mitad del s.XVI, se empleaban bordones para sostener la melodía y percusiones para conferir un acento rítmico a la danza. Se iniciaba la especialización de los instrumentos. Para la danza, por ejemplo, se preferían la flauta y el tambor (o la vihuela de arco), el salterio, la guiterna o también la cítola (bajos instrumentos); para las procesiones, las trompetas, las trompas y la bombarda (la reina de los altos instrumentos); y para la música religiosa, el órgano y las campanas (aunque podían añadirse otros instrumentos como los que figuran, por ejemplo, en las esculturas, de los ángeles músicos que adornan el pórtico de algunas catedrales: laúdes, guiternas, salterios, vihuelas de arco, arpas, bombardas, cromornos).

Por lo general, las partes se expresaban en notación medida como en el arte vocal, y no se adornaban.

En Inglaterra, a finales de siglo, eran frecuentes los consorts de violas, como los Broken consorts de Thomas Morley, que contienen la transcripción de piezas más antiguas orquestadas para flauta, violín, cistro (o cítola) y mandorla (o mandola).

Los grupos de instrumentos fueron adquiriendo poco a poco un nuevo estatus que los liberaba de su papel de meros acompañantes de la danza, de doblamientos o divertimentos. Con la Sacrae symphoniae (1597), de Giovanni Gabrielli (1554-1512), se incluye además en una formación que ya puede considerarse orquesta. En esta obra, aparecen indicados con precisión los timbres para dos grupos que se responden.

A partir de esta época, se consolidaron ciertas características que diferenciaron claramente la música vocal de la instrumental.

Música instrumental:

– Inclusión de saltos en la línea melódica.

– El registro depende de las características del instrumento.

– Ritmos marcados.

– Velocidad.

– Ornamentaciones y notas de adorno improvisadas.

Música vocal:

– Melodía más lineal.

– Tesituras más reducidas.

– Ritmos naturales.

– Menor rapidez.

– Menos ornamentos.

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Lunes, enero 3rd, 2011

MÚSICA PARA LOS DIVERSOS INSTRUMENTOS: TECLADOS

Aunque los antecedentes son muy confusos, puede asegurarse que existen instrumentos de teclado desde el s.XVI.

Del perfeccionamiento de algunos instrumentos, como el organistrum o chofonía (zanfoña), el tymbalon (címbalo, dulcímer o salterio) o el exaquier (nombre relacionado con ajedrez por las teclas blancas y negras), surgieron en el s.XV el clavicordio y el clave.

El clavicordio:

En el clavicordio, el sonido se produce gracias a unas láminas metálicas que se encuentran en contacto con la cuerda, dividiéndola. Ésta puede ser golpeada por dos teclas. Presenta además, la posibilidad de graduar la intensidad del sonido, y su sonoridad es dulce y melancólica. Este instrumento fue relegado a un segundo plano durante el barroco, durante el cual adquirió mayor protagonismo el clavecín.

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El clave, clavecín, clavicémbalo o hapicordio (según la nacionalidad)

Es un instrumento de cuerda pulsada mediante un mecanismo de teclado. Su sonido es más ferte que el del clavicordio, pero apenas se puede diferenciar matices. Para producir cambios de timbre o de intensidad, se vale de registros (incorporados a partir de 1500), pedales y de dos teclados.

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La espineta y el virginal inglés

Se trata de clavecines pequeños, portátiles, de forma regular, con un solo registro y un teclado de un máximo de cuatro octavas y media. El virginal alcanzó su apogeo en la época isabelina inglesa; su nombre proviene del hecho de que era tocado frecuentemente por las doncellas de la alta aristocracia inglesa. El nombre de espineta procede del mecanismo de arañar la cuerda con una púa o espina. La obra Dublin Virginal Book agrupa varias suites de danzas para virginal. En general, son de gran simplicidad y están basadas en temas populares.

Con la proliferación de estos instrumentos, fue emergiendo una escritura específica para teclado, que Willian Byrd (1543-1623) llevó a la perfección por medio de modulaciones muy interesantes, falsas suspensiones, investigaciones rítmicas (tres notas contra dos), etc... Dicho músico suele ser considerado el padre de la técnica virtuosística del teclado.

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 El órgano

Durante el Renacimiento, el órgano llamado en ocasiones "clásico" se enriqueció con nuevos registros y con un tercer teclado manual. A su vez, su extensión llegó a las cuatro octavas.

En España, los archivos demuestran que el órgano era un instrumetno de implantación antigua y sólida. Sin embargo, los primeros textos escritos para órgano no aparecieron hasta el segundo tercio del s.XVI, con las obras de Antonio de Cabezón (1510-1566), Pedro Alberto Vila (1517-1582), Soto de Langa (1534-1619) y Francisco Salinas (1533-1594). Lo depurado de la técnica de estos compositores demuestra que, efectivamente, eran depositarios de una larga tradición.

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Lunes, enero 3rd, 2011

MÚSICA PARA LOS DIVERSOS INSTRUMENTOS: GUITARRA

En España, la guitarra del s.XVI era una pequeña vihuela dotada sólo de cuatro coros (cuatro filas de cuerdas dobles). Su repertorio es semejante al de la vihuela o el laúd.

En París se publicaron, entre 1551 y 1555, varios volúmenes de música para guitarra cuyos autores eran a su vez editores y compositores de laúd (aunque la tablatura de guitarra es más simple,las composiciones para este instrumento son muy parecidas a las de laúd). 

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Lunes, enero 3rd, 2011

MÚSICA PARA LOS DIVERSOS INSTRUMENTOS: VIHUELA

España contaba con un instrumento propio, la vihuela de mano, que puede considerarse un equivalente del laúd. También se encontraba en Italia, donde se denominaba viola o vero laúd (“verdadero laúd”), aunque su uso fue más restringido.

La afinación y la técnica del laúd y la vihuela de mano son muy semejantes, como también lo son la lectura de la tablatura y el repertorio. Sólo la construcción y, por consiguiente, el timbre difieren ligeramente: la vihela de mano recuerda por su forma a una enorme guitarra de reverso liso o algo abombado. Además, fue un instrumento elitista.

Los principales libros para vihuela que se han conservado aparecieron entre 1536 y 1593. Están firmados por Luis Milán (1500-1561), Luis Narváez (1500-1550?), Alonso de Mudarra (1510-1580), Diego Pisador (1509-1557), etc.

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Jueves, diciembre 30th, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: FRANCIA
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El ballet que había florecido anteriormente en las cortes borboñonas e italianas fue importado a Francia hacia finales del s.XVI. La primera música de ballet existente es la destinada al Ballet Cómico de la Reina que se representó en Paris en 1581.

En 1530, apareció en Francia una recopilación de danzas que incuía danzas bajas, danzas tardías, branles, saltarelli, recoupes y tordions; algunas aparecen reunidas por parejas; pavanas/saltarelli, pavana/gallarda…. En ellas, predomina la línea superior, muy adornada, mientras una sola nota subraya los acentos en el bajo. Prevalece la espontaneidad del ritmo sobre las combinaciones contrapuntísticas.

A partir de mediados de siglo, aparecieron en Francia los Vaudevilles, canciones populares cuyas diferentes estrofas se cantaban con una misma música y a una voz. La guitarra, intrumento muy afín a la música popular, los asimiló inmediatamente, y se desarrolló una considerable técnica de variaciones.

Jueves, diciembre 30th, 2010

ESCUELAS Y COMPOSITORES: ITALIA

Desde comienzos del s.XVI, Italia fue fuente inagotable de inspiración para el arte instrumental. Las cuantro modalidades de música instrumental que se observan ya en el s.XV son composiciones para laúd:

– Transcripciones de obras religiosas y profanas. Son las más numerosas.

– Piezas libres, representadas sobre todo por ricercari.

Danzas: autores como Dalza las presentan, a aprtir de 1508, en suites de tres: pavana, saltarello y piva, en un mismo tono, con un esbozo de parentesco melódico y una clara personalidad rítmica. En estas composiciones de Dalza ya está presente el espíritu de la suite.

– Canzona

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Miércoles, diciembre 29th, 2010

LA MÚSICA INSTRUMENTAL A PARTIR DEL S.XVI

A partir del s.XVI, apareció la música instrumental autónoma, al principio por traslado de los géneros vocales y de su estilo al campo instrumental. Los textos impresos se consagran esencialmente a dos instrumentos; el laúd y el de la familia de los teclados. Además hay que añadir algunas partituras ocasionales dedicadas a la flauta, a la viola, o al cistro.

Es importante mencionar también el “Tratado de glosas” (1553) de Diego Ortiz /1510-1570). En él, se enseña a adornar las líneas polifónicas con cadencias, a improvisar a la viola con acompañamiento de teclado y a tocar partes construidas apartir de un “ostinato” (bajo repetido invariablemente), lo que parece indicar con suficiente claridad que la práctica improvisada era quizá la actividad esencial de los intrumentos.

Miércoles, diciembre 29th, 2010

FORMAS DE MÚSICA INSTRUMENTAL

Variación o diferencias: composición que consiste en la exposición de un tema seguida de variaciones sobre el mismo; es decir, que el tema principal es continuamente cambiado, aunque siempre es reconocible.

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Tocata: obra breve para instrumentos de teclado (órgano, clavecín, clavicordio, piano) que sirve de introducción para una composición de mayor envergadura.

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Fantasía o tiento: composición sin forma fija, que queda totalmente supeditada a la capacidad de improvisación del intérprete. Dio origen a la fuga.

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Danza: obra para ser bailada, escrita en grupos de dos ritmos de distinta velocidad y para toda clase de instrumentos y agrupaciones. Su carácter es aristocrático o popular. La danza popular se distingue de la aristocrática en que se levantan los pies y se golpea el suelo, de ahí lo de alta; mientras que en la aristocrática los ropajes de las damas y caballeros “no permiten la agitación muscular”.

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Miércoles, diciembre 29th, 2010

LA MÚSICA, LOS MÚSICOS Y LOS INTRUMENTOS

Son muy abundantes los testimonios iconográficos que demuestran la existencia de una intensa vida musical durante el Renacimiento; personajes teñendo el laúd, ángeles tocando el violín o viola, flautas….La música estaba presente en todas las ceremonias públicas, cortejos y bailes.

El violín, derivado de la familia de las violas entre los s.XVII  Y XVIII. Entre finales del s.XVI y principios del XVII aparecieron diversas variantes: violino, violino picado, pochette y contrabasse.

La iconografía también permite observar ciertos detalles de la construcción de éstos. Sin enmbargo, existen otros documentos más precisos, como los tratados musicales y los primeros instrumentos conservados.

“El Musica Intrumentalis Deutsch” (1528) de Martín Agrícola, ofrece la única representación existente del gemshorn o cuerno de gamuza. También ilustra el cuerno de agujeros, el cromorno, diversas trompetas, el xilófono y numerosos intrumentos populares como el cencerro, el cascabel.

Sebastian Viraung menciona en su “Musica Getustsch” (1511) varios teclados, entre ellos el claveciterio, arpa, salterio, tímpano, gran bajo, grandes vihuelas de arco o violas…

Otros documentos indican que cada instrumento podía tener dimensiones diferentes.

En el s.XV se fijó el estatus del músico. Éste mejoró su consideración social. La burguesía, enriquecida, empezó a mantener a los músicos y a los fabricantes de instrumentos de cuerda. Los instrumentos se integraron perfectamente en la cultura europea y su contrucción, la técnica de los luthiers, se desarrollo considerablemente. Se comenzó a admitir que toda la música vocal podía ser doblada por instrumentos, o incluso interpretada íntegramente por ellos.

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Martes, diciembre 28th, 2010

MÚSICA PROFANA: ESPAÑA

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Las formas españolas derivan de los cantantes de gesta y romances medievales: villancicos (tonada cantada por “villanos”, de estilo medieval), baladas, romances, tonos y canciones. Todas estas formas inundan los cancioneros. Los más interesantes son el “Cancionero de Palacio“, el “Cancionero de Medinaceli“, el “Cancionero de la Colombina“, y el “Cancionero de Upsala“.

La mayoría de sus autores son anónimos, pero se sabe que pertenecieron a la corte de los Reyes Católicos y a otras cortes del país.

Los más importantes son Juan de Anchieta, Pedro de Escobar y Francisco de Peñalosa; por encima de ellos, sobresale Juan de la Encina (1469-1530).

En Cataluña, cabe destacar las ensaladas de Mateo de Flecha, El viejo. Las ensaladas son una especie de canciones a cuatro voces con curiosas mezclas lingüísticas, profana y religiosas, satíricas y pintorescas.

Como su nombre indica, en las ensaladas se “mezclan” con un carácter burlesco, citas de canciones populares y fragmentos de polifonía. Las estrofas, que cuentan uan historia, son regularmente entrecortadas por inserciones y comentarios que n añaden ningún significado a la historia propiamente dicha.

Por supuesto, también aparecen fragmentos instrumentales, algunas veces en un estilo muy popular que se mezcla o se contrapone con otro más severo.