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El Pago del Tributo, Masaccio (1424-1428)

El Pago del Tributo es una de las escenas más famosas y enigmáticas de los frescos que Masaccio pintó en la Capilla Branacci de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia.

La pintura se fecha entre el 1424 y 1428, es decir, en los inicios del renacimiento y nos sirve para ejemplificar algunas de las máximas que marcaron este periodo, tales como la profundidad, la perspectiva e incluso, si se estudia con detenimiento, la realidad moral del Quatroccento.

Esta situado en la fila superior del muro lateral izquierdo de la capilla y nos muestra un episodio de la vida de Jesucristo narrado en el evangelio según San Mateo (17, 24-27) en el cual un recaudador solicita el tributo a Cristo para entrar en Cafarnaún, Jesús le dice a San Pedro que se dirija al río y pesque un pez en el que hallará una moneda con la que pagar la cantidad debida.

El primer impacto de la imagen se encuentra en la disposición de las escenas dentro del fresco, hay una clara representación de los hechos, Jesús junto con los apóstoles y el recaudador al medio, San Pedro tomando la moneda del pez a la izquierda, y a la derecha pagando el tributo; la disposición de las escenas no está en orden cronológico, la línea del tiempo está representada de forma anárquica. Pero, ¿por qué esta colocación? ¿Responde acaso a una jerarquía en importancia?

Por supuesto Jesús está en el eje central de la visión rodeado por sus apóstoles, señalando hacia el lago en un gesto que San Pedro imita. Todos los hechos que ocurren en el cuadro dependen de esta voluntad de Jesús, Masaccio pretendía mostrar simultaneidad entre el mandato y el acontecimiento, subrayando así una postura ética conforme a las obligaciones; el acto propiamente milagroso (San Pedro sacando la moneda del pez) queda en segundo plano, desdibujado y con colores más fríos. En cambio, la consecuencia y el cierre del suceso tienen una claridad que resalta el hecho. Esta parte derecha soporta una gran diferencia conforme al resto de la composición, como si alejara a Cristo de ese hecho terrenal siendo el intermediario del pago de nuevo San Pedro. Así evidencia el cambio de paradigma de esta época, lo importante no es el acto milagroso sino la voluntad que permite su realización.

Así pues el tratamiento de la perspectiva y la profundidad es vital para la explicación del cuadro, las líneas de fuga que traza el edificio de la derecha convergen en Jesucristo resaltando así de nuevo su figura, al igual que los apóstoles que están avocados hacia él, en cambio el recaudador nos da la espalda en la parte central evitando así darle protagonismo y añadiéndolo al grupo que envuelve a Jesús. Otro alarde de perspectiva se consigue gracias a los diferentes planos de las montañas que sirven de fondo difuminándose conforme a la lejanía. Esta perspectiva dentro de los cuadros es clásica dentro del Quattrocento italiano que estuvo muy influenciado por las matemáticas arquitectónicas.

Los colores también ayudan a resaltar y armonizar las diferentes zonas de la pintura, dotando de colores vivos y de luz las zonas que se querían resaltar, como la escena central y diestra, y utilizando colores más fríos y disposiciones más simples de forma intencionada (San Pedro y el pez, la naturaleza muerta al fondo)

En cuanto a la representación de las figuras estas muestran gran monumentalidad, como si se tratasen de esculturas, dotadas de movimiento y expresividad en los cuerpos y haciendo alarde de una gran maestría en el plegamiento de las telas de las túnicas, de nuevo la escena de la izquierda es el elemento distintivo, el gesto y las representación del milagro no son grandilocuentes, no destacan, se vuelve a restar importancia a lo milagroso.

La unión de todos estos elementos evidencia la maestría del fresco siendo uno de los mas importantes del Quattroccento, aunando gran parte de las características de este excepcional movimiento.

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Josep Giner López

Fra Angélico

Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello, nació en Vicchio y en 1418 ingresó en un convento dominico en Fiesole, tal fue su devoción y la aplicación de temática religiosa a sus obras que finalmente fue apodado “Angélico”, fue beatificado por Juan Pablo II en 1982.

Fra Angélico dio sus primeros pasos como artista con el pintor gótico Lorenzo Monaco. Comenzó su vida artística decorando e ilustrando libros aunque pronto comenzaría a dedicartse a la pintura, sobretodo en tabla y mural.

Su obra se enmarca dentro del acercamiento íntimista del creyente a los misterios de la fe que se desarrollaba en la orden de los dominicos y en el Renacimiento temprano florentino. Sus elementos denotan las influencias de Masaccio, del escultor Ghiberti e incluso de las obras arquitectónicas de Brunelleschi.

Fran Angélico fue de los primeros pintores en aplicar la perspectiva, en crear fondos arquitectónicos y fue uno de los que mayor realismo imprimió a sus figuras humanas etc.

“La Anunciación” fue pintada entre los años 1430- 32, está realizada al temple sobre tabla y con unas medidas de 1,94x 1,94 m. Actualmente se encuentra en España, en el Museo del Prado.

El contenido de esta obra trata el tema de la Anunciación, que tenía un fuerte arraigo en la tradición pictórica florentina. Se encuentra dividida en varias escenas de entre la que destacamos la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y cómo María, en el momento de la Anunciación, iluminada por el Espiritu Santo e informada por el arcangel San Gabriel, se convierte en una “segunda Eva” puesto que llevará en su vientre al que será el salvador de la humanidad, Jesucristo.

Omar Jiménez Pérez

 

Sandro Botticelli

Sandro di Mariano Filippei, más conocido como Botticelli, era el menor de cuatro hijos y se convirtió en aprendiz a los catorce años de edad, lo que indica que redicibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento.

Su formación como artista vino de la mano de Filippo Lippi, quien le mostró el camino y las técnicas para realizar grandes obras pictóricas con un gran control sobre las formas tridimensionales y la formación de rostros y gestos con gran delicadeza y expresividad, su talento pronto le proporcionó encargos, de familias y personajes tan ilustres como los Medicis o el papa Sixto IV.

Cabe destacar de entre susobras “El nacimiento de Venus”. Esta famosa obra fue pintada en 1485. Es una témpera sobre tabla con unas medidas de 1,72x 2,78 m, y se localiza actualmente en la Galería de los Uffizi en Florencia.

En esta obra observamos una clarísima influencia grecolatina dado que recuperó los temas mitológicos y los desnudos anteriores a los siglos de vírgenes puritanas perfectamente vestidas.

El contenido de este cuadro nos muestra la llegada de Venus a la isla de Citerea y no su nacimiento como muchos piensan. Supuestamente el nacimiento de Venus se produce tras haber emergido del mar sobre una concha la cual es empujada hacia la costa por los soplos del dios del viento y su mujer, la dama de las flores.

En la parte derecha de la composición espera la “Primavera” para arroparla con un manto bordado de flores puesto que Venus está desnuda.

Esta obra no solo quiere reflejar la belleza de la mujer sino más bien la belleza del conjunto de la naturaleza actuando sobre un solo elemento.

La obra tiene una gran cantidad de símbolos: las rosas hacen referencia al amor (alegría y dolor), la concha implica fertilidad y el mirto de la Primavera simboliza cariño, afecto eterno. 

Omar Jiménez Pérez

Piero della Francesca

Piero della Francesca fue un pintor Quattrocentista italiano nacido en 1406 y muerto en 1492. Al contrario que muchos de los grandes artistas de su época, no creó sus principales obras en Florencia, sino en ciudades apartadas de su ciudad natal, trabajando para la nobleza comarcal. Este “aislamiento” de las tendencias generales le llevó a desarrollar un estilo muy personal.

Piero della Francesca consideró la perspectiva científica como un elemento básico de la pintura, la cual era fundamental para crear espacios pictóricos, dar monumentalidad a las figuras etc. Es considerado uno de los primeros artistas en abandonar el estilo gótico para iniciar esta nueva época renacentista.

El tema de la flagelación era corriente en las secuencias temáticas de La Pasión, sin embargo es poco habitual encontrarlo representado de forma aislada, como es este caso. Es una obra compleja de interpretar pues Cristo se encuentra en un segundo plano mientras encontramos a tres personajes que desconocemos en primer plano. Estos tres personajes se han interpretado como una alegoría al arrepentimiento de judas .

La versión más aceptada considera que son un símbolo que representa la reunión de las personalidades italianas para tratar la amenaza turca que pesaba sobre la cristiandad en ese momento.

“La Flagelación”- Piero della Francesca

Omar Jiménez Pérez

Masaccio

Mejor conocido como Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai (Masaccio), fue un pintor cuatrocentista italiano (1401-1429). Murió joven aunque su obra tuvo una importancia capital en la historia de la pintura. Él introdujo en la pintura el lenguaje y el método renacentista que otros compañeros habían impuesto en la arquitectura y la escultura. Masaccio antepuso la simplicidad, la unidad y la representación en perspectiva a los detalles y la ornamentación. Avanzó en el camino hacia la “realidad” iniciado por Giotto (s.XIV).

De entre sus obras destacamos La Trinidad. Que es un fresco pintado sobre muro, con unas dimensiones de 6,67x 3,17m y localizado en la iglesia de Santa María Novella, en Florencia.

La temática de esta obra es poco frecuente puesto que representa en una sola escena las representaciones de la Santísima Trinidad, la muerte y la posterior descomposición. La escena, en concreto, representa el momento posterior a la muerte de Cristo, lo cual observamos en la posición decaída de Cristo, quien es acogido por Dios Padre para llevárselo con él.

“La Trinidad” – Masaccio

Omar Jiménez Pérez