La escultura del Quattrocento alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura y había permanecido subyugada a ella.

Se busca el naturalismo, la belleza, el equilibrio y el tratamiento anatómico se ajusta a un canon. El desnudo es uno de los temas más desarrollados en la plástica del Renacimiento italiano, con el que se pretende una exaltación del cuerpo humano, del ser humano en definitiva, situado ya en el centro de la Creación. A esto se suma el desarrollo de la Filosofía neoplatónica representada, entre otros, por Marsilio Ficino y Pico della Mirándola. Miguel Ángel es uno de los artistas que mejor encarna el pensamiento neoplatónico aplicado al arte.

Los principales materiales que se emplean son el mármol y el bronce, el cual se llega a trabajar magistralmente con la técnica de la acera perdida. Además se emplea excepcionalmente, la terracota vidriada. El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del Aschiacciato o relieve pictórico con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva.

Aparece una escultura decorativa que toma los motivos de los edificios clásicos como el Ara Pacis y la Domus Aurea de Nerón . Esta decoración se hace a base de guirnaldas, cuernos de la abundancia, medallones, candelieri… Esta decoración aparece en pilastras, muros y bóvedas.

Los temas están tomados de lo religioso, aunque más humanizado que en el periodo anterior. Estos temas se mezclan con los paganos donde se incluye la simbología alegórica clásica y el retrato laico

Los artistas son hombres muy preparados técnica y humanísticamente. con gran interés por aprender, experimentar y crear nuevas formas y técnicas. Casi todos escribirán tratados sobre el arte que dominan. Son muy valorados socialmente y protegidos por los mecenas.

Entre los artistas más destacados se encuentra Lorenzo Ghiberti. Se trata de un artista interesado en los nuevos ideales humanistas. Escribió su obra Comentarii donde trató de establecer para la escultura unas reglas científicas basadas en la óptica y en la teoría de las proporciones. Adquirió fama en 1401, año en que se convoca un concurso para la segunda puerta del Batisterio de Florencia.

Ya se habían hecho las primeras puertas por Andrea Pisano en estilo gótico, con escenas metidas en cuatrilóbulos. Se presentaron siete escultores a este concurso y son elegidos Brunelleschi y Ghiberti. El tema propuesto es el del sacrifico de Isaac, y se dieron algunas normas y personajes claves. El concurso lo ganó Ghiberti por ser mejor la composición, basada en la diagonal, consiguiendo mejor la perspectiva. Además consiguió mayor espacialidad al representar un personaje de espaldas, la anatomía de Isaac es mucho más perfecta, y los paños son mucho más dinámicos.

Tardará veinte años en realizar su obra aunque fue ayudado por los jóvenes artistas Paolo Ucello y Donatello. La estructura general debía ser la establecida por Pisano con total planteamiento gótico: 28 tréboles de cuatro hojas con 20 escenas del A.T. y 8 para las imágenes de los Evangelistas y los doctores de la Iglesia.

La obra maestra, sin embargo, es la tercera puerta, llamada Del Paraíso, dado por Miguel Ángel. En ella empleó otros veinte años. Tiene más criterio geométrico, al disponerse en diez 8 cuadradados. Los temas son del Antiguo Testamento y resumen la creación y la historia de Israel. Los enmarques son motivos extraídos de la decoración clásica: medallones, hornacinas, candelieri…

Los relieves son de bronce, y en ellos se incluyen las teorías de perspectiva de Brunelleschi y Alberti, consiguiendo gran profundidad, esto es, la consecución de la tercera dimensión. Se pueden distinguir en ellos tres planos:

El primero de figuras casi de bulto redondo, creando cierta potencia con las sombras, el segundo es un mediorrelieve y el tercero es un bajorrelieve. En casi todos se incluye arquitectura entre goticista y clásica, que da monumentalidad a toda la escena y sentido de refuerzo de la profundidad. El tratamiento de las figuras incorpora el gusto por las formas clásicas en los ropajes, anatomías, peinados.,…

Estas obras representan una trasposición de la pintura a la escultura, e incluso logra captar el ambiente con la técnica del schiachiato, que consiste en desdibujar las figuras más alejadas, sumergiéndolas en cierta neblina o nubosidad.

Trabaja en la Iglesia de Or san Michelle, donde labra las imágenes de san Juan Bautista y San Mateo donde sigue dando muestras de gracia y dulzura. En esta misma iglesia trabajó Nani Di Banco y las esculturas que realizó se ajustan más a las proporciones de la escultura clásica, ganando los cuerpos en volumetría y proporcionalidad y los rostros realismo inspirados en retratos romanos.

 Otro de los grandes artistas renacentistas es Donatello, heredero de la escultura del gótico y dominador de la expresión gótica contra la que reacciona.

Trabaja principalmente en Florencia y en Padua, y su escultura avanza hacia el clasicismo. Llegó a dominar todas las técnicas y los materiales. Se distingue por captar la figura humana en todas las edades de la vida del hombre y ser capaz de llegar a la profundidad psicológica de los personajes.

En un principio se dedicó a decorar las fachadas de los principales edificios para los que labra distintas esculturas. Una obra de la primera época es el San Juan de la Catedral de Florencia, representado sedente con el evangelio en la mano. Tiene una grandiosidad clásica. La parte mejor conseguida es la cabeza por la fuerza interior y la penetración psicológica que consigue transmitir. en esta obra se inspira Miguel Ángel para su Moisés. Idéntica obra es su San Marcos hecho para el gremio de pañeros, donde muestra el ideal del ser humano: serio, sabio, honesto y responsable.

En su San Jorge, hecho para el gremio de espaderos y fabricantes de armaduras, aparece representado de pie vemos un joven fuerte, vigoroso, sereno, equilibrado, con gran dominio de sí.

En el rostro además trata de mostrar las virtudes personales: valentía, firmeza… Le representa como el prototipo de hombre renacentista y a la vez de prototipo de caballero cristiano. Es el triunfo de la idealización. En el pedestal representa el relieve de la muerte del dragón en el que muestra gran vitalidad y une la técnica lineal con el schiacciato.

Muestra su madurez en la Cantoría de la Catedral de Florencia, dispuesta como una balconada sostenida por grandes ménsulas. Emplea el mármol y lo más sobresaliente es la decoración del frontal. Le compone a modo de pórtico con columnas pareadas y al fondo niños saltando, bailando y cantando. Representa perfectamente la alegría de la infancia, el gozo y soltura del movimiento de los niños… y copiado de lo clásico, el gusto por el desnudo y la técnica de paños mojados. Aprendió la técnica de fundición del bronce en los talleres de Ghiberti. En bronce realiza su David. Es una representación muy original del tema del David pisando a Goliat. Mostraría de nuevo el ideal del caballero cristiano, pero con más novedades. Hay muchas alusiones a lo clásico: idealización (se le representa muy joven), gusto por el desnudo, anatomía de formas blandas (parecen formas femeninas), posición copiadas de las esculturas de Praxiteles (curva praxiteliana), pose sensual, rostro muy sereno (tranquilidad, seguridad) y tocado con el gorro típico de Florencia.

Viajó a Padua donde estuvo unos años y realizó dos grandes obras: El Gattamelata y el frontal para el Altar de San Antonio.

El Gattamelata es una escultura de bronce que está en Padua y representa a un general que defendió los intereses de Venecia frente a Milán. La escultura fue encargada por el senado de Venecia y le concedió el honor de ponerla en frente a la basílica de San Antonio. 

En la misma ciudad realiza el frontal para el Altar Mayor de la basílica de San Antonio. Representa a San Antonio haciendo un milagro a un joven a quien cura el pie. Personajes clásicos por la vestimenta y los retratos. Composición cuidada en la que destaca el marco arquitectónico al que aplica las leyes de la perspectiva de Brunelleschi y Alberti dotando al relieve de gran espacialidad y lo conjuga con la técnica del schiacciato magistralmente. El final de su vida le pasó en Florencia y dio a su obra toques dramáticos, así su escultura de María Magdalena que la representa demacrada por el ayuno y la penitencia, inspirándose en la predicación de San Antonino que siendo arzobispo predicaba por la ciudad vestido de harapos. Concluimos que en la obra de Donatello se conjugan el idealismo y el realismo.

 Otro artista destacado es Verrochio perteneciente a una familia de orfebres, lo que reflejará también en su escultura aunque también domina la pintura, pero sobresale en el trabajo del metal. Sigue a Donatello con el tema del retrato ecuestre. Su obra cumbre es la escultura ecuestre de Bartolomé Colleoni. Sigue el modelo de Donatello: dignificación del personaje y el caballo; pero aquí el personaje toma más ímpetu con el cuerpo en tensión y algo girado, que expresa el dominio y la fuerza. En el caballo también vemos más sentido del movimiento. Se recrea en la armaduras y la montura del caballo con un perfecto acabado.

Otros artistas importantes de la región de la Toscana fueron el florentino Luca della Robbia, conocido por sus relieves de mármol y su cerámica vidriada o policromada y el sienés Jacopo della Quercia, considerado el precedente de Miguel Ángel por su gusto por las formas grandilocuentes y la fuerza de sus anatomías.